Sonische Banalität in der Zone des Interesses

Beginnen wir mit dem Schluss: Rudolf Höss, die Hauptfigur des Films, verlässt eine jubelnde Nazi-Feier mit grotesken Requisiten wie einer Hakenkreuz-Eisskulptur. Er ist begeistert von der Nachricht, dass er nach Auschwitz zurückkehren wird, um seine Rolle als Kommandant wieder aufzunehmen und den bevorstehenden Transport aus Ungarn vorzubereiten. In einem Telefongespräch mit seiner Frau bemerkt er: "Er hat wirklich nicht viel Spaß, da er zu sehr damit beschäftigt war, darüber nachzudenken, wie er den ganzen Raum vergasen könnte", gefolgt von der Erkenntnis, "wie schwierig es sein könnte". Als er die Treppe hinuntersteigt, wird er plötzlich von Übelkeit übermannt und scheint sich zu übergeben. Das Bild schneidet dann abrupt in die Gegenwart. Die Kamera zeigt Auschwitz-Birkenau in seinem heutigen Zustand als Museum oder Gedenkstätte (auf die Komplexität dieser Begriffe wird später noch eingegangen). Begleitet wird dieser Wechsel von der scheuernden Geräuschkulisse von Staubsaugern, dem rhythmischen Klatschen eines Wischmopps auf Kacheln und dem Widerhall von Schritten, mit denen die Aufseher das Gelände pflegen. Eine Reinigungskraft wischt akribisch die Öfen ab, die einst für die Einäscherung verwendet wurden, und sorgt dafür, dass sie staubfrei bleiben, während eine andere ein Fenster poliert, das auf einen Haufen menschlicher Haare blickt, Überreste unzähliger Opfer.

In diesem Moment könnte man eine Träne vergießen und eine Abscheu empfinden, die sich zwar von der von Höss unterscheidet, aber tief in der dargestellten Banalität verwurzelt ist. Ist die Realität von heute so weit von der Vergangenheit entfernt? Erfüllt diese akribische Bewahrung wirklich das Versprechen des "Nie wieder" oder betäubt sie uns gegenüber unserer Mitschuld? Regisseur Jonathan Glazer hat gesagt, dass es in diesem Film nicht um die Vergangenheit, sondern um die Gegenwart geht.^[1] Dieser Essay untersucht, wie Ton sowohl ikonisch als auch alltäglich sein kann, und argumentiert, dass wir dem scheinbar Unauffälligen mehr Aufmerksamkeit schenken müssen.

In ihrem ersten Aufsatz in dieser Reihe, "Moralische Diegese in Schindlers Liste (1993)," untersucht Huether die traditionelle Filmmusik des Films. In ihrem zweiten Aufsatz befasst sie sich mit der Verflechtung von visueller und musikalischer Symbolik in Jojo Rabbit, indem sie die Verwendung populärer Musik neben den visuellen und gesanglichen Darstellungen des Holocausts analysiert. In ihrem dritten und letzten Aufsatz der Reihe konzentriert sie sich nun ausschließlich auf das Gehörte. Dieser abschließende Beitrag soll unser Verständnis dafür vertiefen, wie die Ikonen des Holocaust in der akustischen Sphäre nachhallen.

Die Zone des Interesses-Überblick

Die Zone des Interesses basiert auf der wahren Geschichte des echten Nazis Rudolf Höss, der als Kommandant von Auschwitz die Aufsicht hatte. Der Film schildert den krassen Gegensatz zwischen Höss' ruhigem Leben mit seiner Familie in einem eleganten Haus mit Garten direkt neben dem Konzentrationslager. Jonathan Glazer, der Regisseur, stellt die Figuren nicht als groteske Monster dar, sondern als "nicht denkende, bürgerliche, karrieregetriebene Schrecken", die unvorstellbare Grausamkeiten in etwas so Alltägliches verwandeln, dass sie in den Hintergrund treten. Weiter erklärte er, dass es ihm darum ging, "die Vorstellung" von Nazis als "fast übernatürlich" zu demontieren. Glazer wollte das Gewöhnliche, das Banale hervorheben. "Je mehr Informationsfragmente wir aufdeckten, desto mehr erkannte [Glazer], dass es sich um Menschen aus der Arbeiterklasse handelte, die aufwärtsstrebend waren. Sie strebten danach, eine bürgerliche Familie zu werden, so wie es heute viele tun."[2] Mit dem Dritten Reich sahen sie einfach eine Chance, und sie hielten sich so fest wie möglich daran, und eine Zeit lang ernteten sie ihre Früchte.

Sie hatten das Haus ihrer Träume - direkt neben einem Vernichtungslager - mit einem Garten, der größer war als ganze Grundstücke, die sich die meisten leisten konnten. Sie hatten die neueste Heizungsanlage, handgeschnitzte Geländer, vier Schlafzimmer, ein Büro, ein Esszimmer, einen Swimmingpool und so weiter. Sie lebten das Leben, das sich der "Führer für ganz Deutschland vorgestellt hatte", wie Hedwig-Rudolfs Frau es nannte. Abgesehen von der Alltäglichkeit des Lebens der Höss gibt es eigentlich keine Handlung, sondern nur eine Reihe durchschnittlicher Szenen, von denen ein Zuschauer, der keinen vorherigen Kontext zum Holocaust hat oder darüber informiert wurde, dass es sich tatsächlich um einen Film über den Holocaust handelt, vielleicht keine Ahnung hätte. Die meisten visuellen Symbole sind nicht vorhanden, abgesehen von den wenigen SS-Uniformen, dem gelegentlichen Hakenkreuz, etwas Stacheldraht und der Mauer, die die Höss' vom Todeslager trennt. Es gibt keine Züge, kein "Arbeit macht frei"-Schild, keine goldenen Davidsterne, keine aggressiven Hunde bei der Ankunft der Züge. Aber während diese ikonischen Bilder fehlen, sind ihre klanglichen Gegenstücke nicht vorhanden.

Klang-Ikonen des Holocaust - von mächtig bis banal

In Holocaust Icons: Symbolizing the Shoah in History and Memory untersucht Oren Baruch Stier, wie bestimmte Symbole aus dem Holocaust zu bedeutenden kulturellen Markern geworden sind.^[3] Er erläutert den Begriff "Ikone", indem er sich auf das Oxford English Dictionary bezieht, das den Begriff als ein Symbol definiert, das etwas Größeres darstellt.^[4] Stier stellt fest, dass eine Ikone sowohl eine Darstellung als auch ein Symbol ist. Bei den Ikonen des Holocaust handelt es sich nicht nur um historische Artefakte, sondern um kraftvolle Repräsentationen dieser Epoche. Ihre Besonderheit liegt in ihrer Verbindung zu den ursprünglichen Ereignissen des Holocausts und ihrer anhaltenden Bedeutung in der heutigen Zeit. Diese Ikonen prägen auch lange nach dem Zweiten Weltkrieg die Wahrnehmung und Erinnerung an den Holocaust. Zu diesen visuellen Ikonen gehören alle oben genannten und einige andere - denken Sie an Schuhstapel, Haare, Anne Frank.^[5] Diese visuellen Symbole sind so sehr mit der Erinnerung an den Holocaust verwoben, dass es praktisch unmöglich ist, sie zu trennen; denken Sie jedoch an ihre klanglichen Bezüge. Wenn man sie allein hört, mögen einige diese verflochtene Verbindung beibehalten, die meisten jedoch nicht. Stellen Sie sich jemanden vor, der im ländlichen Amerika lebt und vielleicht regelmäßig über Bahngleise fährt. Wenn er sich den Gleisen nähert und einen Zug pfeifen hört, denkt er dann sofort an "Holocaust?" Oder wenn ein Postbeamter an seiner Tür klingelt und sein Hund bellend zur Tür rennt, würde er sich anspannen und denken "hier kommt die SS?" Die Antwort ist eindeutig "Nein.Aber im Zusammenhang mit den Bildern ist das Geräusch einer Zugpfeife für sich genommen gewöhnlich, aber im Kontext des Holocausts ist es ein Metonym für eines der dynamischsten Bilder des Holocausts, die Massendeportation, die Schrecken der Reise in die Konzentrationslager und die Brutalität und den Tod, die folgten.

Klang hat eine gewisse Beständigkeit, die visuelle Artefakte oder symbolische Darstellungen nicht unbedingt haben. Während Bildern, Objekten und sogar geschriebenen Worten spezifische Bedeutungen verliehen werden können, die sich im Laufe der Zeit entwickeln oder auf unterschiedliche Weise interpretiert werden können, bleiben bestimmte Geräusche - wie das Bellen eines Hundes, ein Zugpfiff oder menschliche Laute wie Husten oder Würgen - im Grunde genommen gleich, losgelöst von der Interpretation und ohne tiefere Bedeutung. Diese Gleichheit verleiht ihnen eine Art Banalität, die darauf hindeutet, dass diese gewöhnlichen Geräusche das eigentliche Wesen der Zone des Interesses waren, eine deutliche Erinnerung daran, dass Familien wie Höss jeder von uns hätte sein können. Im Zusammenhang mit einer Klangikone liegt ihre Kraft nicht im Klang selbst, sondern in seiner Kontextualisierung. Der ikonische Charakter eines Klangs ist nicht notwendigerweise intrinsisch; vielmehr wird er ikonisch, wenn er mit einem bedeutenden Ereignis oder Moment in der Zeit in Verbindung gebracht wird. Die Banalität des Klangs, die der Schwere seines Kontextes gegenübergestellt wird, kann ihn sogar noch verstärken, indem sie den Hörer zwingt, sich mit der Alltäglichkeit dessen auseinanderzusetzen, was in einer anderen Umgebung unscheinbar wäre. Diese Spannung zwischen der unveränderlichen Natur des Klangs und der starken Bedeutung, die er haben kann, wenn er mit bestimmten Erinnerungen oder Geschichten verknüpft ist, macht das Verständnis von Klangsymbolen komplexer. Es unterstreicht, dass die Kraft einer Klangikone eher in ihrem assoziativen Kontext als in ihren inhärenten Eigenschaften liegt.

Aber wie? Der Prozess der Zone des Interesses

Nachdem wir mit dem Ende begonnen haben, ist es nur angemessen, mit dem Anfang zu schließen. Es bleiben zwei letzte Fragen: 1) Wie wurde Die Zone des Interesses mit dem Oscar für den "Besten Ton" ausgezeichnet und was bewirkt dieser Ton? 2) Was bedeutet es, wenn man Auschwitz-Birkenau sowohl als "Gedenkstätte" als auch als "Museum" bezeichnet? Diese beiden Fragen sind miteinander verbunden, da sie untersuchen, wie Klang die Wahrnehmung und die Erinnerung prägt.

Der Anfang des Films gibt den Ton für das, was folgt, vor. Es ist zwar verständlich, dass man den Film beginnt, ohne zu wissen, dass es um den Holocaust geht, aber wenn man die Bedeutung des Zuhörens nicht erkennt, entsteht eine Barriere. Die ersten Momente führen den Zuschauer durch den Ton, beginnend mit einem minimalistischen Bildschirm - einfacher weißer Text auf schwarzem Hintergrund -, der eine Verschiebung des sensorischen Engagements signalisiert. Zwei kontrastierende musikalische Linien, die eine disharmonisch und beunruhigend, die andere harmonisch, wechseln sich ab, bevor sie zu einer vielschichtigen Dissonanz verschmelzen. Diese Klanglandschaft, die nicht von visuellen Elementen begleitet wird, dauert fast drei Minuten und zwingt das Publikum, sich ausschließlich auf das Zuhören zu konzentrieren. Während sich die Klanglandschaft entwickelt, gesellen sich Geflüster und Vogelgezwitscher hinzu, die dem Ganzen Struktur und Komplexität verleihen. Wenn diese Elemente verklingen und die Musik nachlässt, taucht das Zwitschern wieder auf, nun hell und lebendig, und begleitet die erste visuelle Szene des Films: ein friedliches Familienpicknick an einem Fluss. Diese auditive Einführung bereitet den Zuschauer auf einen Film vor, der die Aufmerksamkeit auf subtile und unangenehme Geräusche im Alltag lenkt. Er suggeriert, dass Komfort und Horror nebeneinander bestehen können, dass banale Klänge tiefere Wahrheiten verbergen können und dass der Kontext alles ist.

Im gesamten Werk The Zone of Interest wird die auditive Welt zu einem integralen erzählerischen Mittel, das die Geschichte des Holocausts nicht durch direkte Konfrontation, sondern durch Andeutungen und Kontraste erzählt. Die Geräuschkulisse vermischt das Gewöhnliche mit dem Bedrohlichen, indem sie die Schreie eines Babys mit den Schreien von Opfern, das freudige Bellen eines geliebten Familienhundes mit dem bedrohlichen Knurren von SS-Wachhunden und das beiläufige Echo von Schritten mit dem von marschierenden Soldaten gleichsetzt. Diese nahtlose Integration von Ton und Bild schafft eine Kulisse, die auf subtile Weise beunruhigt und den Zuschauer in den Bann zieht, ohne seine Aufmerksamkeit zu erregen. Das Ergebnis ist, dass der Schrecken fast unbewusst empfunden wird und sich im Laufe des Films ins Bewusstsein schleicht. Sogar die letzten Schritte der Familie Höss hallen in der letzten Szene in den Schritten des Reinigungspersonals nach, wodurch die Grenze zwischen Vergangenheit und Gegenwart verschwimmt und eine Frage aufgeworfen wird: Wie sehr hat sich Auschwitz-Birkenau wirklich verändert? Diese Frage stellt sich am Ende des Films.

Dies wirft die Frage nach der doppelten Identität von Auschwitz-Birkenau als "Gedenkstätte" und "Museum" auf. In dem Film Treasure (2024) von Lena Dunham, der auf einer wahren Geschichte beruht, besuchen ein Holocaust-Überlebender und seine Tochter Ruth Polen, wo Ruth versucht, das Leiden und den Verlust ihrer Familie zu verstehen. In mehreren Szenen sträubt sich Ruth gegen den polnischen Verweis auf Auschwitz-Birkenau als "Museum" und beharrt darauf:

Um, es ist kein Museum. Das Metropolitan Museum of Art, das Guggenheim, sogar die Rock and Roll Hall of Fame in Cleveland - das sind Museen. Aber Auschwitz? Auschwitz ist ein Todeslager.[6]

Am Ende bleibt Ruth jedoch mit Postkarten, Büchern und Fotos zurück. Diese Spannung unterstreicht das Paradoxon von Orten wie Auschwitz-Birkenau, die sowohl als Mahnmale für eine unfassbare Tragödie als auch als Museen dienen, die von Natur aus Orte der Bildung und des Konsums sind. Selbst der offizielle Titel des Ortes, "Gedenkstätte Auschwitz-Birkenau", bringt diese Dualität auf den Punkt. Auch der Ton spielt hier eine entscheidende Rolle, da er die Grenze zwischen Vergangenheit und Gegenwart verwischt. Das Knarren von Schritten, das Echo von Reinigungsarbeiten und das Flüstern von Touristen verschmelzen zu einem einzigen Hörerlebnis, das die Frage aufwirft, ob der Akt des Bewahrens von Erinnerung uns ungewollt desensibilisiert.

Die Zone of Interest zwingt uns durch den meisterhaften Einsatz von Klang dazu, uns mit diesen Fragen zu konfrontieren und legt nahe, dass wir selbst in Räumen, die der Erinnerung dienen, wachsam bleiben müssen. Wir müssen hinhören - nicht nur auf die ikonischen Klänge, die wir mit dem Grauen verbinden, sondern auch auf die alltäglichen, alltäglichen Klänge, die diese Erinnerungen weitertragen können oder uns zur Komplizenschaft abstumpfen lassen.

Von Kathryn Agnes Huether

Quellen 

[1] Sean O'Hagan, "Interview: Jonathan Glazer über seinen Holocaust-Film Zone of Interest-"Es geht nicht um die Vergangenheit, es geht um das Jetzt," The Guardian, Veröffentlicht am 12. März 2024, abgerufen am 11. Oktober 2024.

[2] Sean O'Hagan, "Interview: Jonathan Glazer on his Holocaust film Zone of Interest-"This is not about the past, it's about now," The Guardian, Published on March 12, 2024, Accessed on October 11, 2024.

[3] Oren Baruch Stier, Holocaust Icons: Symbolizing the Shoah in History and Memory (New Brunswick, NJ: Rutgers University Press, 2015).

[4]  "Icon," Oxford English Dictionary, Accessed on November 1, 2024, www.oed.com/dictionary/icon_n.

[5] Stier untersucht in seiner Arbeit vier Themen: Anne Frank, Triebwagen, "Arbeit Macht Frei" und die Zahl "Sechs Millionen".

[6] Schatz, Regie: Julia von Heinz (Seven Elephants GmbH, Good Thing Going, Haïku Films, 2024), Streamingdienst.